Picasso: La Ruptura (Parte 2)

Motivado por su deseo de proyectar más profunda e intensamente sus complejos y contradictorios sentimientos acerca de las mujeres

Los primeros bocetos para Las señoritas de Avignon se plasman en 1907 ahí se indica que el cuadro empezó como una escena de la que formaban parte un estudiante de medicina, un marinero y cinco prostitutas en un burdel.  La evolución del tema hasta llegar a su etapa final reflejaba, según los señalado por William Rubin, rebela la compleja progresión desde lo narrativo hasta el carácter “icónico”, que caracterizó la obra de Picasso de 1905 a 1909.

La metamorfosis de la imagen pictórica, como lo ha demostrado Leo Steingberg , estuvo motivaba por su deseo de proyectar más profunda e intensamente sus complejos y contradictorios sentimientos acerca de las mujeres, las cuales estaban asociados a sensaciones de libertad “ dionsíaca” y a aprensión de enfermedad y muerte. En la versión final , el marinero y el estudiante de medicina fueron eliminados junto con otras referencias anecdóticas, conservándose algunos componentes expresionistas del tema, tales como la contundente expresividad de la cabeza de la derecha, el colorido crudo e impetuoso, la violencia de la pincelada , las formas abstractas de la tela festoneada y el reducido y claustrofóbico espacio. Esta obra elimina los vestigios de la pintura del siglo XIX.

Este lienzo es sin duda el ejemplo de una obra que se imponía como una ruptura, como un desgarrón, como una disonancia, lo que no habían conseguido Delacroix, ni Courbet, ni Manet, ni Cezanne, ni Van Gogh, los cuales manifestaban siempre un cierto deseo de armonía un ansia de complacer y convencer. Todavía hoy Las Señoritas de Aviñon significan una afrenta irreparable de cara a la decencia pictórica: el escandaloso tratamiento a las caras de las dos mujeres a la derecha de la composición. Respecto a la la violencia del espacio pictórico, fue tal que, una vez admitida autorizaba ya como menores otras perturbaciones espaciales.

Los detractores de Picasso afirman que este cuadro abrió definitivamente las puertas de la arbitrariedad lo cual fue el fundamento mas amplio del arte moderno. A partir de entonces el artista se permitió toda licencia respecto a la concepción de la obra y a su ejecución.

El Cubismo y la Influencia del cine

Junto a George Braque, Picasso elaboró, entre 1910 y 1912, un sistema denominado cubismo analítico. Botella de Pernod es un ejemplo de las preocupaciones de aquel entonces. El sistema se caracteriza por la multiplicación de angulos y el abandono de la construcción realista del espacio, como puede observarse en esta obra. La botella y el vaso en numerosas y pequeñas superficies que dan lugar a un complejo juego de luz y de sombra. El aspecto original de los objetos queda practicamente oculto. Sin embargo, en este cuadro de 1912, Picasso ya introdujo la imitación cuidadosa y realista de algunos elementos, en un intento de abandonar la ininteligibilidad de su obra. Aqui la superficie de madera de la mesa, cuidadosamente pintada, adquiere un complejo caracter real.

El cine de principios del siglo XX tuvo una clara influencia en la formación del cubismo desarrollado por  Picasso y  Braque entre 1907 y 1914,  segun Arne Glimcher, fundador de PaceWildenstein y productor de cine.  Glimcher   tenía la intuición de que las múltiples perspectivas e imágenes fragmentadas del cubismo le debían mucho a las películas que ambos artistas vieron en París, la ciudad de los hermanos Lumiére y donde nació la experiencia moderna de “ir al cine”.   Asi lo planteó Glimcher,  por primera vez,  cuando montó en New York una  muestra que exploró el papel de la cinematografía en uno de los movimientos artísticos más radicales de la era moderna.

En realidad no era  la primera vez que la pintura se ocupaba de la reproducción mecánica, pero sí es la primera vez que un movimiento artístico abordó la imagen en movimiento.

La teoría era novedosa y desafiante, ya que si bien el cubismo suele ser asociado con Cézanne, el absenta, las máquinas y la velocidad de la modernidad, nunca antes se había estudiado a fondo su vinculación con el cine.

La muestra de Glimcher desveló que el cine debía ser visto no como un punto de referencia expresado en símbolos en las pinturas cubistas, sino más bien como una fuente adicional de inspiración tal y como lo fueron Cézanne y el arte tribal africano.

De acuerdo con Glimcher el Cubismo adoptó la imagen proyectada tanto como forma como concepto y proceso.

Así, los cortometrajes sobre aeroplanos en construcción, la fabricación de un violín -un instrumento musical recurrente en las pinturas de Braque- o los músicos que tocaban en las salas de cine se habrían filtrado como sujetos en los cuadros de ambos artistas.

En cuanto al proceso, se podría afirmar que los ángulos de la cámara, la iluminación, las sombras proyectadas en los escenarios, las disoluciones de escenas y las técnicas de edición del cine se hacen evidentes en las imágenes segmentadas del Cubismo.

Incluso la paleta austera de grises y ocres y la pincelada fragmentada estarían influidas por las técnicas del cine antiguo.

Como predecesor del Futurismo, el Cubismo registró la velocidad y la imagen en movimiento a través de planos contrapuestos en distintos ángulos y una composición “prismática” o “desmembrada” que el espectador, como una cámara de cine, debía recomponer en el ojo.

Si para Picasso y Braque el cine era una ilusión del espacio que sólo existe en el tiempo, el Cubismo era una ilusión del tiempo que sólo existe en el espacio físico del plano pictórico.

En 1914 , Picasso tras una discusión con Braque que los separo para siempre, fue abandonando su rígido dogmatismo cubista para experimentar en otras técnicas, en especial el collage, que se compadecia a las mil maravillas con la libertad a la que su espíritu se entrego desde entonces. El primitivo ascetismo dio paso a una vitalidad no exenta de humor, de la que esta pequeña escultura titulada Copa de Absenta, fechada en 1914, es una muestra graciosa. Representa un objeto habitual en las farras bohemias de aquella época: la temible copa de absenta por el cual artistas como Toulouse-Lautrec habian sentido una temeraria inclinación. Este peligroso licor, que procuraba a sus adictos un estado próximo a la locura, se tomaba tras diluir en él un terrón de azucar.

El Picasso escutlor, para muchos, es tan grande, incluso más importante que el Picasso pintor (trabajos de hierro, ensamblaje de objetos y modelado, frecuentemente estas dos ultimas tecnicas asociadas para componer sus obras en bronce) La forma y la inspiracion voluptuosa que parecian acompañarle, iban unidas a una especie de mala conciencia de su felicidad, a la vista de las desgracias de su epoca, y en primer lugar, al desencadenarse la Guerra de España.

Guernica

Su hermoso y famoso cuadro Guernica refleja, curiosamente, su profunda indignacion, despues del bombardeo de la poblacion vasca por la aviacion nazi, sino tambien situacion amorosa en aquellos momentos, en los que tres mujeres ocupaban un papel en su vida. Las caras de mujeres, de trazos torturados por la angustia y no caracterisados por la felicidad amoroza, se sucederian hasta 1944.

Mientras muy cerca de su taller se libraban combates para la liberacion de Paris, Picasso pinto una Bacanal inspirada en Poussin; poco tiempo despues se adhirio al Partido Comunista frances. Esta adhesion le conduciría a realizar algunos cuadros comprometidos como la Matanza de Corea y las alegorías de la Guerra y La Paz al mismo timpo que servía, gracias a su célebre Paloma de agente publicitario para el movimiento de la paz.

En 1939, pinta y segun ha observado el historiador de arte Meyer Schapiro, partio de :su intenso sentimiento hacia la joven, infundiendole una vitalidad adecuada a dicho sentimiento. Pinta el cuerpo contemplado, amado y autocontemplado. La vision de otro cuerpo se convierte en un conmovedor y misterioso proceso”.

El cuadro es extraordinario por sus multiples dualismos y por los contratstes que proporciona el perfil. La cabeza aparece como una mascara frontal amarilla frente al eco complementario de la turbadora imagen que refleja el espejo. El equilibrio se obtiene mediante el contraste entre las formas sinuosas y organicas de la figura y el decorativismo geometrico del papel que decora la pared del fondo. Nada más sorprendente que la dificil conjuncion entre la agresividad formal y la ternura de este tema.

En el transcurso de de los ultimos años de su vida, tanto en la pintura como en el grabado, (tambien muy abundante) el tema que realmente le importa al pintor es la mujer. Generalmente desnuda cuando la retrataba. Sus ultimos efuerzos intentaron iluminar incansablemente la significacion amorosa de su gesto pictorico.

Picasso solo dejo ser un jefe de filas para convertirse en un simbolo lejano, del modernismo.

PICASSO: GENIO MALIGNO Y PRODIJIO MODERNISTA (PARTE I)
 

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